Stand still like the hummingbird (Permanecer quieto como el colibrí),curada por Bellatrix Hubert, se inauguró recientemente en la galería David Zwirner (Nueva York) y permanecerá abierta hasta principios de agosto. La muestra está conformada por piezas de Tomma Abts, Francis Alÿs, Bernd and Hilla Becher, Carol Bove, Marcel Duchamp, Morgan Fisher, Robert Gober, Rodney Graham, On Kawara, Ruth Laskey, Sherrie Levine, Gordon Matta-Clark, John McCracken, Bruce Nauman, Cady Noland, Jim Nutt, Thomas Ruff, Ed Ruscha, Alan Uglow, Christopher Williams, Mason Williams y Martha Wilson.

El título de la exposición fue tomado de la colección de cuentos y ensayos del escritor Henry Miller (EU, 1891-1980), quien fue reconocido tanto por su misticismo como por su humor negro. Miller propuso esta idea como antídoto de la sociedad moderna. La muestra transita entre obras cuyo principal objetivo es apuntar las interacciones entre la poética, el humor y los desbarajustes que vivimos diariamente, a través de piezas que se enmarcan en la sutileza de la hechura y abordan tópicos políticos, sociales, biológicos y culturales.

A partir de la paradoja del colibrí —que aparece como un ser inerte porque no podemos apreciar visualmente el proceso del movimiento de sus alas debido a la rapidez—, Hubert ha realizado una selección cuidadosa de pinturas, esculturas y videos de artistas que se comprometen con las contradicciones, imposibilidades e ideas absurdas.

La exhibición comienza de manera histórica con la pieza de Marcel Duchamp (1887-1968) Comb (1916) y junto con otros artistas del ready made de inicios del siglo XX. El peine de acero gris señaló una estética seca, sin expresión, que influyó en los aspectos tanto formales como prácticos del quehacer del arte, en este caso con una inscripción críptica que no tiene que ver con el funcionamiento de un peine para perros y deja la puerta abierta a una interpretación de las huellas que deja el artista y las pistas que le permiten al espectador crear su propio discurso de un objeto de uso diario.

En la muestra se presentan varias piezas de los años 60 y 70; décadas donde la aportación de Duchamp ganó reconocimiento y atención por consolidar ideas sobre cómo los gestos directos pueden ser ocupados como campo creativo, gracias a la recreación de varios sus ready mades a través de exposiciones individuales y retrospectivas dadaístas.

I Got up (1968-1976) consta de cuarenta y dos postales que envió On Kawara con la hora exacta en la que se levantó ese día y las direcciones de él y de la persona a quien las envió. La pieza es un conjunto de documentos de su más íntima existencia. Las postales están colocadas en una especie de montaje cinematográfico de diferentes lugares visitados por el artista, lo que simultáneamente pone en juego la ambigüedad del tiempo.

En la instalación de Gordon Matta-Clark, Hair (1972), se ofrece un testamento de la presencia física del artista, realizado en el año nuevo. Los hilos individuales de su pelo fueron proyectados cuidadosamente, numerados según una rejilla tridimensional y arreglados como una peluca. Las fotografías se convierten en un performance de la taxonomía del cambio personal.

Las tres fotografías de Christopher Williams siguen las mismas reglas de las fotografías industriales pero están manipuladas para las expectativas del espectador. Llevan largos títulos que incluyen el nombre del sujeto, la cámara, el lugar y detalles sobre la compañía manufacturera.

También se presenta Welsh Oaks (1998), una serie de Rodney Graham compuesta por fotografías majestuosas que retratan robles mostrados al revés. De este modo distorsiona las clásicas convenciones de la representación artística mientras nos recuerda que la imagen que se queda en nuestra retina, de hecho, está invertida y la coerción la realiza nuestro cerebro.

El legado directo de Duchamp se ve en las obras de Sherrie Levine, After Walker Evans (1981). Su apropiación icónica del fotógrafo Walker Evans se aproxima a la idea del ready made. En el video de Francis Alÿs Retoque/Painting (2008) aparece él mismo repintando a mano las diluidas líneas que están en el canal de Panamá. Este acto mecánico y disciplinado llama la atención sobre la movilidad geográfica y las demarcaciones territoriales.

Para esta exposición Hubert menciona: “Cuando trabajas una exposición colectiva lo que importa son las piezas por sí mismas y no tanto el artista; es un diálogo continúo, como un baile, donde mi tarea es nutrir el discurso con el que estoy trabajando”. La muestra veraniega en la galería David Zwirner integra piezas de artistas reconocidos y emergentes para dar la prioridad no a nombres del tan polémico mainstream sino a las obras que hablan a partir de su propio statement.

Imágenes: Cortesía de David Zwirner Gallery.
www.davidzwirner.com