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Chris Burden: Extreme Measures. Entrevista con Margot Norton

30.10.2013

Durante más de cuatro décadas, Chris Burden —uno de los artistas contemporáneos más importantes de Estados Unidos— ha realizado una producción artística situada en los límites psicológicos, físicos y morales. A través de polémicos performances, esculturas e instalaciones, Burden ha cuestionado conceptos como el poder, el control, la represión, la violencia y la masculinidad. Su trabajo ha sido considerado como un parteaguas por redefinir el uso del cuerpo en el arte, así como por la inclusión de la tecnología en sus obras escultóricas. En días pasados el New Museum de Nueva York inauguró, bajo el título Chris Burden: Extreme Measures, la retrospectiva más extensa dedicada al artista. La muestra, dispuesta en los cinco pisos del museo, explora los diversos medios utilizados durante su trayectoria y la importancia de su trabajo en el mundo del arte. Asimismo, se incluyen dos instalaciones en el exterior del museo, creando un diálogo con la ciudad. Tuvimos la oportunidad de entrevistar a Margot Norton del New Museum, quien nos platicó sobre los criterios curatoriales de la exposición, la relevancia del artista desde la década de los setenta hasta nuestros días y la influencia que ha tenido su obra en las siguientes generaciones artísticas. ¿Cuál es el criterio de selección del título de la exposición? El título Extreme Measures trata un tema constante en la práctica de Burden. Desde que era un estudiante de arte, Burden ha puesto a prueba los límites físicos y psicológicos, y ha llevado a un extremo los materiales, las instituciones e incluso sus propias capacidades. El trabajo presentado en la exposición abarca su carrera de cuarenta años, desde sus primeros riesgosos performances hasta sus monumentales instalaciones escultóricas con pesos y medidas, límites y limitaciones en constante flujo y tensión. ¿De qué manera el trabajo de Chris Burden desafía lo establecido social y políticamente? Burden se desarrolló durante el periodo de la guerra de Vietnam entre los años sesenta y setenta, un periodo de profunda agitación social y política. Sus primeros performances en la década de 1970 fueron, sin duda, unas de las obras más polémicas e influyentes de la época. Estos performances utilizaban el cuerpo para explorar temas culturales, políticos y de percepción, e investigaban conceptos psicológicos como el control, el deseo y la represión. Sus instalaciones escultóricas posteriores revelan la fascinación continua por una crítica hacia la autoridad, las fuerzas armadas y las dinámicas de poder. El performance Shoot es, probablemente, la obras más radical de Burden y la que mejor expresa la exploración de control representada en el cuerpo. ¿Cómo repercutió esta obra en la historia del arte y de qué manera a partir de esta pieza la concepción del performance cambió? En Shoot, un amigo de Chris Burden le disparó en el brazo izquierdo con un rifle a una distancia de 15 pies. Este performance de 1971, del que fueron testigo doce personas, se ha convertido en una de las obras más conocidas y controversiales de la historia del arte. Burden formó parte de una generación emergente de innovadores artistas de performance que experimentaron con los límites entre sus propios cuerpos y el mundo que les rodeaba. Con Shoot experimentó físicamente el dolor de una nación en guerra y apuntó hacia la relación perversa entre las armas y la cultura estadounidense. Con este trabajo experimentó directamente la acción de ser disparado con un arma de fuego, en contraposición a ser sólo observador de las imágenes de personas heridas difundidas ampliamente en los periódicos y publicaciones de entretenimiento. ¿Las esculturas de Burden pueden ser consideradas como una continuación de sus performances? En 1980 Burden cambió su práctica de performances orientados hacia su propio cuerpo por obras escultóricas inmersivas en donde el cuerpo del espectador tuvo una mayor implicación. El análisis de la capacidad física de los materiales reemplazó sus propias capacidades físicas y aumentó su fascinación por las dinámicas de poder. The Big Wheel (1979) es una obra temprana crucial que marca su transición del performance a la escultura. En esta pieza, un volante de inercia de hierro de seis mil libras es activado por una motocicleta que rápidamente alcanza una aterradora velocidad de 200 rotaciones por minuto. Al igual que en los primeros performances de Burden, el peligro sublime de esta obra perturba el consumo pasivo del espectador. Sus esculturas monumentales más recientes continúan implicando el cuerpo del espectador y lleva a nuevas dimensiones los límites estructurales y estéticos de los materiales. ¿Desde qué perspectiva se ha acercado Burden a la tecnología y a la mecánica en sus esculturas e instalaciones? Chris Burden estudió Arquitectura y Física antes de decidir enfocarse a las artes visuales. Su padre fue ingeniero y su madre bióloga, lo cual contribuyó a su fascinación por la ciencia y la tecnología, así como por las maravillas de la ingeniería como los puentes, vehículos, armas y máquinas. A la par de esta fascinación, el artista desarrolló un profundo conocimiento del latente potencial destructivo en las actividades de ingeniería. En la exposición se incluyen ejemplos de los tres diferentes modelos de puentes realizados por Burden, cada uno utilizando diferentes materiales y métodos de construcción. A través de una combinación de estudio, pruebas y una intuitiva solución de problemas, Burden aprendió por sí mismo a completar estas estructuras complejas. Por ejemplo, para Mexican Bridge (1998) construyó un puente, el cual había visto en un libro acerca de Ferrocarriles Mexicanos y por el que siempre sintió fascinación. Era un puente de arcos serpentinos inversos, diseñado (pero nunca construido) en la década de 1860 para llevar el ferrocarril mexicano sobre un desfiladero de más de mil pies de ancho. Después de estudiar durante cinco años los dibujos de este puente, hizo una reproducción a gran escala, utilizando un sistema de construcción de modelos de juguete con piezas de Meccano y Erector. Otro ejemplo es Three Arch Drystack Bridge, 1/4 scale (2013), el cual hizo con bloques de hormigón y yeso, inspirados en los “bloques de anclaje”, un material de piedra utilizado en Alemania durante la década de 1880. Este puente está hecho sin argamasa, por lo que se detiene únicamente gracias a la fuerza de gravedad y la tensión.  ¿Cómo dialogan las obras Skyscrapers y Ghost Ship con la ciudad y con el edificio del New Museum? La exposición se extiende hasta el exterior del edificio del New Museum, donde dos esculturas emblemáticas de Burden interactúan con la arquitectura de nuestro techo y fachada, alterando sutilmente el paisaje visual de nuestro barrio en Lower Manhattan. Twin Quasi Legal Skyscrapers (2013) incluye dos estructuras de acero de treinta y seis pies de altura colocadas sobre el techo del edificio. Estas dos estructuras hablan de la constante naturaleza evolutiva del entorno urbano y también evoca a las Torres Gemelas que perdimos durante los ataques del 11 de septiembre. Ghos Ship (2005) es un barco de pesca escocés de dos extremos de treinta pies diseñado de manera tradicional, el cual fue hecho para realizar un viaje no tripulado de cuatrocientas millas guiado remotamente por computadora. El barco cuelga de la fachada del New Museum como un bote salvavidas que está listo en caso de que ocurra algún desastre o inundación. Estas dos obras, en conjunto, sirven como un inquietante recordatorio de las amenazas que siempre están presentes. ¿La influencia de Burden continúa viva en el arte actual? ¿Considera que Burden ha sido un parteaguas en el desarrollo del arte contemporáneo? Por supuesto. Desde sus primeras representaciones de la década de 1970 hasta sus esculturas monumentales, las obras de Burden desafiaron al artista y al espectador a enfrentarse con los tabúes sociales, así como a involucrarse provocativamente con las dinámicas del poder. Sus icónicos performances, instalaciones y esculturas redefinen las formas de entender e interactuar con la obra de arte. Éstas han sido extremadamente influyentes para sus contemporáneos y sigue inspirando a las generaciones de artistas jóvenes que han emergido en años recientes. — [30 de octubre de 2013]

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