La exposición Cámara de Maravillas es una de las cartas fuertes del programa de reinaguración del Centro de la Imagen, que reabrió sus puertas el pasado 27 de octubre. Bajo la curaduría de Jens Hoffmann (Director del Jewish Museum en Nueva York), la muestra reúne piezas de artistas como Doug Aitken, Manuel Álvarez Bravo, Diane Arbus, Mario Cravo Neto, William Eggleston, Peter Fischli y David Weiss, Andreas Gursky, Jonathan Hernández, Gabriel Orozco, Hiroshi Sugimoto, Edward Weston y Mariana Yampolsky, entre otros.

A propósito del inicio de la muestra, Código conversó con el curador sobre los gabinetes de curiosidades que inspiraron la curaduría y el diseño de montaje que distingue a ésta de otras muestras de fotografía. Además, Hoffmann nos habla de los principales valores de este arte y sus implicaciones en la era digital.

Con el título de la exposición, Cámara de Maravillas, estableces una analogía entre los gabinetes utilizados para exhibir una colección de curiosidades —que surgieron en el siglo XVI y donde exploradores y ricos exhibían objetos y especímenes que encontraban en sus viajes, para que la gente pudiera verlos y aprender acerca del mundo y lo remoto—y la cámara: un objeto que te permite congelar un momento y mostrarlo en un contexto diferente. A su vez, la exposición reúne fotografías de dos colecciones: Kadist y Coppel. Así, las nociones de coleccionar y exponer están presentes. ¿Puedes profundizar en estas similitudes o diferencias?

Los gabinetes de curiosidades originales mostraban el crecimiento y la expansión del mundo a partir del descubrimiento de otros continentes y el intercambio con ellos. Los coleccionistas de aquella época regresaban de sus viajes con una serie de objetos que exponían en salones, donde invitaban a sus amigos para contarles historias de sus descubrimientos. Era un encuentro con aspectos educativos pero también de entretenimiento.

Las colecciones de arte contemporáneo tienen, frecuentemente, alcances similares. Se trata de mostrar sofisticación y estatus, pero también es una manera de compartir y regresar algo a la sociedad a través del montaje de exposiciones, que son un ejercicio educacional. Así, este gabinete de curiosidades es como un prototipo de lo que son los museos hoy en día, aunque estos espacios comenzaron a pensar qué era lo que valía la pena acumular. De cierta forma, fue como construir un canon histórico en torno a lo que es considerado arte, histórico o cultural.

Esta exposición —y la colección que la compone— presenta ambos aspectos: es una muestra que reúne el trabajo de fotógrafos importantes con el de creadores jóvenes, mezclados en una situación transhistórica. No hay una narrativa histórica, ni está basada en la geografía, como suele pasar con exhibiciones sobre fotografía en México en la década de 1960 o fotografía de arquitectura en la Alemania de 1980. Por el contrario, Cámara de Maravillas es muy subjetiva. El propósito principal es crear una narrativa estética, basada en las relaciones formales entre las fotografías, donde se integran ideas que forman un canon o una narrativa histórica que realmente nunca consideramos o que hicimos a un lado para dar lugar a la estética o la composición formal de estas piezas.

Elad Lassry, Hombres (055, 065) (2012). Cortesía del artista y Kadist Art Foundation

¿Consideras que actualmente hay un proceso de evolución natural o tecnológico que sustituye al uno por el otro? Pienso en esto cuando veo piezas como Gravestone in Pet Cementary de Nan Goldin, Darth Vader de Gabriel Orozco, Women with Three Loaves de Irvin Penn, Material Testing Machine de Hiroshi Sugimoto, Excusado de Edward Weston o Sleeping Elephant de Ambala Bayang. Mientras algunas imágenes muestran personas u objetos modernos, documentados para las generaciones futuras, otras exponen cosas que son imposibles de coleccionar, como sombras, paisajes, movimientos, actitudes y sentimientos.

Hay algunas fotografías que ni siquiera proyectan sombras. Es solo información, como si los datos estuvieran compuestos por tecnología o software digital, como Photoshop. Así, la impresión es la única evidencia de la existencia de esa información, que es aun más efímera que una sombra o un rayo de luz.

¿La cámara permite crear una colección más amplia o el objeto original es algo que hace falta en el espacio expositivo? ¿Este gesto de tomar una imagen es más respuetuoso que el de llevarse el objeto original, como sucedía antes?  

La belleza de la fotografía radica en que puedes capturar algo y desplazarlo de su contexto original. Es una característica muy única. Aunque lo puedes hacer llevando un objeto a otro lado, a veces es físicamente imposible. Por eso creo que la gente está muy interesada en la fotografía y en las redes sociales como Instagram, donde puedes tomar una foto en Italia e instantáneamente se puede ver en México. Así, se retoma un aspecto fundamental de la fotografía: capturar algo y ser capaz de trasladarlo a cualquier otro lado… dislocarlo.

¿Cómo ha cambiado el rol de lo exótico dentro de estas prácticas expositivas?, ¿consideras que se trata de un impulso más artístico y filantrópico que de asombro?

Las cosas son exóticas por naturaleza. Cuando algo nos es ajeno, se considera como exótico, foráneo o extraño. Es muy interesante poder introducir a la audiencia en este tipo de objetos poco familiares, para poder romper con sus hábitos convencionales de mirar o pensar de una cierta manera.

Por eso me interesa la fotografía. Se le suele pensar como un medio objetivo: cuando se captura un objeto éste se convierte en una representación, pero en realidad existen miles de perspectivas para tomar una imagen. Es un acto completamente subjetivo que incluso va más allá de la imagen misma y de cómo es expuesta, dónde, bajo qué contexto y en qué momento histórico. Si bien la fotografía tiene cierto aire de objetividad, es extremadamente subjetiva. Así funciona la realidad, no hay historias verdaderas, todo es parte de la percepción, de las normas y estándares que individualmente le atribuimos al mundo en el que vivimos.

Me atrae mucho el momento de ambigüedad que la fotografía otorga cuando representa el mundo que nos rodea. El resultado de todas las fotografías existentes es filtrado por el ojo, la cámara o el celular con que se tomó, pero también por los ángulos y una serie de decisiones que hace la diferencia entre una fotografía completamente aburrida de Instagram o una obra de arte. Eso es fundamental en el mundo actual, donde todos somos fotógrafos porque tenemos una cámara. No obstante, no todos somos artistas. Y ahí radica la gran diferencia, aun si estás interesado en la fotografía vernácula o de las redes sociales como un fenómeno. Yo lo entiendo desde una perspectiva antropológica: una fotografía nace de una curiosidad en particular, pero no es necesariamente parte de una situación artística.

Lothar Baumgarten, Conquista Rochade (1971). Cortesía del artista, CIAC, y Marian Goodman Gallery

Cámara de maravillas incluye imágenes manipuladas o creadas de forma digital, como Percent for Art de Annette Keim y Picture 066b de Asha Schechter. Con la introducción de la imagen digital, ¿consideras que actualmente este tipo de manipulación es un aspecto clave de las maravillas de la cámara?, ¿a qué espacios (internos o sociales) nos permite acceder? Y ¿es el flujo en línea una nueva forma de intercambio de conocimiento que imita o es una continuación del modelo de diseminación de la antigua cámara de maravillas?

Como comentaba anteriormente, hay muchos tipos de manipulación de la imagen. Y la manipulación digital es sólo la continuación de cómo los artistas han incorporado su propia subjetividad en la fotografía. Es un tema interesante no sólo por el uso de tecnologías digitales, sino porque empezamos a pensar en la creación de imágenes desde cero —lo cual abre un nuevo camino.

Los artistas usan las herramientas digitales para la manipulación y creación de imagen de formas tan diversas que han logrado crear una serie de mundos y espacios completamente nuevos; otros utilizan la manipulación digital de una forma más sutil, para resaltar cualidades muy especiales dentro de su producción fotográfica. Pero tomando en cuenta la diferencia entre las técnicas tradicionales y lo digital, es cierto que esta tecnología cambia muy rápidamente. Algo que creaste hace dos años en el mundo digital hoy se siente completamente anticuado, tiene un período de vida muy corto. Algunas de las fotografías en la Cámara de maravillas, realizadas por los fotógrafos históricos, superan la prueba del tiempo gracias a su extrema belleza y su composición formal. Por su parte, la mayoría de lo que se pueda decir en torno a la fotografía fue dicho durante los primeros veinte años de su vida. Desde entonces, lo demás han sido notas al pie.

Con respecto a la exposición, lo que me parece interesante es que realmente pensé en aquel gabinete de curiosidades al que los coleccionistas invitaban a un grupo de personas para tener una experiencia, casi como un performance o una situación teatral atada al tiempo y al espacio. Esas son cualidades que aún no pueden ser reproducidas en el mundo virtual, donde puedes ver imágenes o crear un modelo digital de esta exposición. Pero la experiencia no es la misma que estar en el espacio físico frente a una situación en particular. De cierta manera, la exposición es nostálgica porque se vale de los privilegios del espacio físico, de la exposición de las fotografías y de verlas yuxtapuestas una con otra. Una posibilidad que, hasta ahora, no he visto en la esfera digital.

Annete Kelm, Percent for Art (2013)

¿Cuál es la importancia del diseño del montaje para esta exposición?, ¿de dónde viene?

Lo hice pensando en la estética de las cámaras de curiosidades, donde coexisten diversos materiales. Pero también rescaté la idea de que no son espacios con una temporalidad plana. Y eso es justo lo que propongo: fotografía contemporánea e histórica juntas. La intención también fue crear un poema visual con acentos y comas. Otra referencia fue la exposición The Family of Man que Edward Steichen organizó en el MoMA, la cual se alejó de los montajes tradicionales para exponer fotografía sin un orden determinado o una narrativa histórica. Si el mundo a nuestro alrededor no es lineal, tampoco tendría que serlo la exposición. Cámara de maravillas tiene paneles que pueden permitir un recorrido a veces rápido y a veces lento, con momentos tan íntimos como silenciosos. Quise jugar con esas posibilidades para crear una experiencia teatral.

En tu ensayo para el catálogo de exposición mencionas que la idea detrás de esta forma de mostrar las imágenes viene de la “colección microscópica y memoria teatral” del filosofo italiano Guido Camillo (1480-1544). Sus ideas fueron referencias arquitectónicas para Cámara de maravillas: “un teatro para observar el aspecto eterno de todas las cosas” ¿Podrías profundizar en el rol que esto juega en tu práctica y en esta exposición en particular?

Cada exposición es un microcosmos de lo que está pasando en el mundo que nos rodea. A través de las obras o en la forma que cada exposición está formulada, en el espacio expositivo se despliegan aspectos particulares, cuestionamientos, normas y convenciones de esa realidad externa. No creo que ninguna exposición sea típica en la medida en que trata de proponer que, al final, nosotros somos responsables de lo que creamos en este mundo y que depende de nosotros utilizarlo como un material para observarlo desde diferentes puntos de vista. Así, en cierta aspecto es un ejercicio político, sobre interrupción y desobediencia. Lo importante es preguntar ¿cómo haces que transite del espacio expositivo a la calle?, ¿cómo haces para crear esa relación y que la gente entienda que existen ese tipo de posibilidades?

¿Cómo concibes el futuro de las imágenes?

Las imágenes juegan un papel cada vez más importante en los procesos de comunicación. Alguien me preguntó hace unos días que en qué lenguaje soñaba. La respuesta fue simple: sólo sueño con imágenes, no con lenguajes. Quizá las imágenes son sobrevaloradas porque parecen ser instantáneas, pero no nos tomamos el tiempo de estudiarlas. Aunque, por supuesto, muchas de ellas son sólo basura.

Snapchat es interesante porque muestra imágenes que aparecen y desaparecen inmediatamente. De cierta forma es una vía adecuada para sobrellevar la avalancha que representa la producción de imágenes hoy en día. Existe una sobreracionalización basada en nuestra fe en el mundo y en el lenguaje, que ha provocado creer en la imagen como una idea de segunda clase. Como cuando vas a una exposición con un grupo de gente y todos quieren explicar el sentido de cada obra; parece que la gente piensa que una pieza no puede comunicar por sí misma lo que quiere decir, lo cual sería una especie de fracaso. Muchos artistas han adoptado la idea de que sólo puedes entender una pieza si viene con su explicación. Pero una verdadera obra de arte debe sostenerse por sí sola, sin importar si sabes quién la hizo, cuándo o cuál es su título. Es algo que tenemos redescubrir.

Rodney Graham, Árbol en el antiguo lugar de la cámara oscura (1996). Cortesía del artista y Kadist Art Foundation

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Cámara de Maravillas
Centro de la Imagen
Plaza de la Ciudadela 2, Centro Histórico
Del 27 de octubre al 14 de febrero de 2016
centrodelaimagen.conaculta.gob.mx

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Michele Fiedler es curadora independiente e investigadora. Actualmente, su investigación curatorial se concentra en la importancia de los neologismos y la otorgación de nuevos significados a los términos existentes, miradas alternas a lo preestablecido mediante (auto) etnografías, la necesidad de cada cual de escribir su propia historia y teoría, y el reconocimiento del poder de lo popular y las imágenes. Colabora con la Kadis Art Foundation en una serie de video entrevistas a artistas latinoamericanos. Ha curado exposiciones para el Victoria Theater, el Park of Arts Muzeon, la Fondazione Sandretto Re Rebaudengo y el Wattis Institute of Contemporary Arts, entre otros museos.