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Vista de instalación de Delirios Urbanos (2017), exposición colectiva en El Cuarto de Máquinas. Cortesía de Gallery Weekend Ciudad de México.

5 exposiciones destacadas de Gallery Weekend CDMX

noviembre 24, 2017

Gallery Weekend se ha posicionado como uno de los eventos de arte icónicos de las ciudades de vanguardia en el mundo, y su quinta edición en la Ciudad de México —que poco a poco ha ido invitando a espacios del interior del país— no fue la excepción. Esto no es fortuito; quizá podemos pensar el boom del surgimiento de las galerías de arte a la par del afianzamiento de la publicidad y los medios masivos de comunicación como constituidores de la idea de una ciudad cosmopolita. A mitad del siglo XX, el arte tenía un tipo de exploraciones que quizá no iban al ritmo de las instituciones y esos pequeños espacios concebidos como galerías servían para explorar esas otras posibilidades.

Pero poner el funcionamiento de las galerías privadas con la figura institucional y gubernamental de los museos implica, a veces, desvalorizar a las primeras por asociarlas a un interés meramente económico y aceptar de inmediato los otros por tener un interés más social y público. Esta dicotomía generalizadora no permite explorar los matices que realmente hay en cada espectro, y de algún modo el sismo del pasado 19 de septiembre nos reabrió la reflexión del papel del arte para explicar o incidir en la realidad.

Debido a la tragedia, esta edición de Gallery Weekend Ciudad de México cambió sus fechas y se llevó a cabo casi dos meses después de lo previsto, del 9 al 12 de noviembre. La mayoría de las galerías renovaron sus exposiciones y algunas incluso reflexionaron sobre el suceso. Por sus condiciones y su historia, estos espacios permiten generar ciertas preguntas del arte que no se ven comúnmente en otras instituciones. Este quinto circuito, una vez más, abrió una oportunidad al público para acercarse a esta visión del arte que no siempre tenemos presente, pero que de hecho tiene más de una década creciendo en la ciudad.

Diálogos con figuras como Miguel Covarrubias y Gunther Gerzo, un ensayo de fotografía contemporánea que reflexiona los intentos utópicos que hemos tenido como humanidad para nombrar, jerarquizar y clasificar el mundo, esculturas que fungen como críticas a las sociedades productivas, el azar y su fragilidad frente a las tragedias son algunas de las propuestas de las galerías que integraron el circuito y que se interrogan sobre el presente en distintas manifestaciones. Estas son algunas de las exposiciones que destacaron ese fin de semana.

 

— PROYECTOSMONCLOVA

En esta edición se presentó la exposición individual Michael Sailstorfer. Si bien pareciera que la exposición Nubes y lágrimas es reducida por componerse por tan solo 15 piezas en el gran espacio de la galería, lo cierto es que la propuesta del artista alemán se basa en una experiencia de conciencia pura con su alrededor, donde se ordena una visión poética y metafísica del universo.

Esto se puede apreciar en las máscaras de hierro y aluminio fundido que hacen eco de culturas africanas o de robots y que aluden a una dicotomía entre la identidad y el ocultamiento. O en una reflexión sobre el tiempo a través de una pieza hecha con una llanta de automóvil sujetada a la pared y conectada a un motor; al ser incapaz de moverse, la llanta arroja partículas y olor a caucho quemado que se va acumulando en el suelo, registro del casi imperceptible desgaste de la pieza y del paso del tiempo. La gravedad se ve presente con un video que registra una lluvia de lágrimas de hierro de dos toneladas que van convirtiendo una casa de Bavaria en ruinas.

Nubes y lágrimas juega con temas ontológicos y metafísicos a través de metáforas ejecutadas en materiales que han marcado la evolución del hombre: la arena, el aluminio, el hierro y el plástico. Polona Stroganova, directora de PROYECTOSMONCLOVA, expresó su gusto por las visitas durante ese fin de semana y lo calificó como un efecto positivo para reactivar la zona de la ciudad tras el sismo con la participación de la comunidad artística.

Michael Sailstorfer, CLOUDS AND TEARS (2017). Vista de instalación en PROYETOSMONCLOVA. Cortesía de Gallery Weekend Ciudad de México.

 

— OMR

Debido al sismo de septiembre, la exposición Sol LeWitt, uno de los artistas más importantes del conceptualismo, ya no estuvo vigente durante el fin de semana del Gallery Weekend. Sin embargo, la galería OMR se complace en traer por segunda vez una muestra de Troika, un colectivo de arte contemporáneo formado por Eva Rucki, Conny Frever y Sebastien Noel. La muestra Compression Loss trae una mirada crítica al pensamiento y método científicos, además de los avances tecnológicos, para reivindicar la parte subjetiva e impredecible que se encuentra siempre en estos procesos.

En la planta baja, esculturas de grandes mitos y deidades Toth, Xipe, Hebe y Venus son rebanadas, justo como plantea el método de pensamiento racional de deconstruir piezas en elementos separados para analizarse. Destaca un par de piezas que analizan procesos tecnológicos para crear objetos aparentemente sin un fin más que el de generar una experiencia estética: una escultura está suspendida en el aire con un motor que hace que se mueva y reconfigure su forma constantemente; una instalación que trastoca la corriente del agua y hace que las gotas se eleven en lugar de caer.

Troika, Compression Loss (2017). Vista de instalación en galería OMR. Cortesía de Gallery Weekend Ciudad de México.

 

— Galería Luis Adelantado

El semiólogo Roland Barthes creía que el discurso del amor actual se caracteriza por poseer una extrema soledad, ya que es hablado por miles pero no es sostenido por nadie. Hablar del amor ha tenido diferentes posturas, intersecciones y narrativas a lo largo del la historia, pero pocas veces ha sido cuestionado desde el arte contemporáneo. Esta es la propuesta de Fragmentos de un discurso amoroso, exposición de Priscila Monge en la Galería Luis Adelantado, un homenaje al libro homónimo del pensador francés.

Contrario a las asociaciones inmediatas que se pueden hacer de la exposición con lo sentimental y lo emotivo, la artista explora las diferentes narrativas y manifestaciones del amor desde un aspecto humano y político: la violencia, la muerte, el poder, la dominación, la soledad y el deseo que también están presentes en los discursos amorosos. Esto se ejecuta en diversos soportes que, más allá de la materialidad de sus objetos —fotografías polaroid intervenidas, bordados, sábanas nupciales gigantes, instalaciones y performance—, se resignifican desde un ámbito conceptual y ocupan las cuatro salas de la galería.

Priscilla Monge, Fragmentos de un discurso amoroso (2017). Vista de instalación, en galería Luis Adelantado. Cortesía de Gallery Weekend Ciudad de México.

 

— kurimanzutto

El racismo y su manifestación en sistemas de orden y control es el tema principal que se aprecia en Never Free to Rest. Se compone de piezas figurativas: retratos de personas negras, una silueta negra y encadenada y una serie de garabatos negros que podrían emular una guerra civil norteamericana cuestionan la representación que han tenido personajes de color en la pintura mimética; la exposición cuenta también con obras abstractas en las que la relación no es tan evidente y requiere de una reflexión más profunda: una partitura de a la que se le sobreimpone —como en un palimpsesto— un manifiesto racial como yuxtaposición de los medios de comunicación como agentes de poder y control sobre lo diferente, lo otro. El título de la exposición de los seis artistas proviene del escritor y activista afroamericano James Baldwin. Se trata de un eco a lo radical, la resistencia y la lucha por los derechos humanos.

Vista de instalación de Never Free to Rest (2017), exposición colectiva en galería kurimanzutto. Cortesía de Gallery Weekend Ciudad de México.

 

— El Cuarto de Máquinas

Para Delirios urbanos, se invitó a siete artistas a realizar obras específicamente para la exposición que problematizaran los modos de construcción y sus habitantes en las ciudades. ¿Qué significa vivir en las ciudades? ¿De qué manera se toma en cuenta el medio ambiente? ¿Cómo el espacio ha sido un marcador y diferenciador de clases sociales? ¿De qué manera el crecimiento de las ciudades es un eco del capitalismo salvaje?

Estas reflexiones se articulan, bajo la curaduría de Josefa Ortega, en esculturas de madera y concreto, instalaciones que proyectan las sombras del Valle de México, edificios y materiales que desordenan el medioambiente, videos sobre un concurso ficticio que remodela colonias de la ciudad invisibilizando a las zonas marginales. Piezas que invitan al espectador a repensar las dinámicas de los espacios y las agendas económicas que han permitido ese crecimiento descontrolado.

Vista de instalación de Delirios Urbanos (2017), exposición colectiva en El Cuarto de Máquinas. Cortesía de Gallery Weekend Ciudad de México.

 

Por Luis Ángel Ramírez es egresado de Ciencias de la Comunicación la Facultad de Ciencias Políticas y Sociales de la UNAM. Ha colaborado en la sección de arte y cultura de medios como El UniversalConfabulario y Time Out Mexico.

[24 de noviembre de 2017]

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